Часть 1. Методика преподавания

Педагогические принципы школы игры на баяне (аккордеоне). Формирование отечественной школы. Опыт выдающихся педагогов.

Искусство игры на баяне, является сравнительно молодым жанром, получившим широкое развитие лишь в советское время. Система музыкального образования для исполнителей на народных инструментах стала формироваться в конце 1920, 30х годов. Талантливые музыканты различных специальностей бескорыстно передавали свой профессиональный опыт исполнителям на народных инструментах, и помогли им выйти в большой мир музыки. Практические успехи исполнительства на народных инструментах и педагогики постепенно создали основу для обобщения опыта в различных учебных и методических пособиях. Наиболее значительные учебники стали появляться в 60х годах, когда звено высшего музыкального образования достаточно окрепло. В тоже время в практику вузов, училищ, и музыкальных школ вводиться наиболее прогрессивный вид готово выборный баян, массовое производство которого началось на ряде фабрик страны. Это обстоятельство значительно повлияло на процесс подготовки исполнителей баянистов. Изменился репертуар, расширились выразительные и технические возможности, появились многотембровые пяти рядовые готово выборные баяны. Перемены стали происходить и в методике обучения баянистов. Современный баянист – это эрудированный образованный музыкант, воспитанный в лучших традициях отечественной и зарубежной музыкальной культуры. На международной арене утвердилось лидирующее положение советской баянной школы. На таких международных конкурсах как «кубок мира», «дни гармоники», «в клингентале», в Англии в Нью-Йорке началось шествие баянного искусства.

История возникновения

Современный баян, и аккордеон возникли в результате реконструкции разных видов гармоник. Принцип звукоизвлечения гармонике одинаковый – это звучание свободно колеблющегося язычка. К предшественникам гармоники можно отнести: орган, волынку, регаль, и другие инструменты разных стран, имеющие резервуар для воздуха, то есть духовые.

Результатом многолетних творческих поисков было изобретение 1818 Венским мастером Антоном Хеккелем из гармонии. В 1964 году в России на ленинградской фабрике «Красный партизан» стали выпускать не большие органы, похожие на физ гармонии. Почти одновременно с физ гармоник появилось 2 вида гармоник губная и ручная изготовленных мастером Бушменом. В последствии, органный мастер Кирилл Домиаму создал гармонику, которая имела на клавиатуре 5 клавиш в D dur. Они звучали по разному на сжим и разжим. В 1829 году Димиану получил авторское право на эту гармонику и назвал её аккордеоном. Наибольшее распространение аккордеон был во Франции. Постоянно вносились разные изменения в конструкцию инструмента. Шарль Бюффе. В Австрии, Германии тоже появились мастера аккордеонов, и каждый носил свои изменения в конструкцию. В 1924 в Вене издается первое руководство по обучение на аккордеоне сделанное Мюлером. В Италию аккордеон попадает 1840 году, а производство своих инструментов началось только в 1863 году, когда Паоло Сопрани открыл мастерскую в городах Страделла, Комерано и они стали центрами по производству аккордеонов. Аккордеон в то время не имел своей методики обучении и школ. К середине 17 века были созданы модели аккордеонов, имевшие на правой клавиатуре полную хроматическую гамму. Правда звуки у этих инструментов были разные на сжим и разжим. Зато меха стали прочнее и внешний вид лучше. Затем появился 1 регистр при включении, которого звучал еще 1 голос, настроенный чуть выше основного и было ощущение разлива. В 50-70 годы стали создаваться предприятия по производству аккордеонов фирмы «Паоло Сопрани», «Скандали», «Хохмер» в Италии. В России гармоника сразу же получила большое распространение 1823 году. Привозили их из-за границы. Отечественные производства гармоник началось в Туле. В этом городе умельцев сразу нашлись люди, которые сделали в начале для себя, а за тем и для других такие же гармоники, как привозные так появились первые кустарные мастерские. В начале 40 годов возникли гармонные фабрики и появились и исполнители те, кто их делал

В 1874 году было десяток таких фабрик. Распространятся гармоники стали и в других городах России и появлялись производства Саратов, Бологое, Рязань, Череповец. Создался русский звукоряд. Первым гармонистом исполнителем получившим известным Невский (Емильянов). Играл он по слуху и с1870 стал выступать перед публикой, гастролировал даже зарубежном и исполнял такие солидные музыкальные произведения Глинки, Чайковского, Верди. Он первый в 1909 выступил с симфоническим концертом. Теперь стали усовершенствовать их исполнители. Перестал меняется звук на сжим и разжим. Расширился диапазон, вместо клавиш появились кнопки. На большинстве русских гармоник (Саратовской, Вологодской, Невской, Черепашка, Ливенка) исполнители играли на левой клавиатуре всеми 5 пальцами, а на правой 4 (5 сковывала кожаная петля). Мех у Ливенки насчитывал 40 барин.

Гармоника Елецкая – рояльная (роялка) прошла интересный путь развития. Сначала увеличился диапазон правой клавиатуры, между белых появились черные клавиши. Потом в левой руке появился минорный ряд. Затем ряд основных басов, вспомогательный ряд и ряд секстаккордов. Это был прототип современного аккордеона.

Крупный центр производства гармоник. Первый мастер нелюбин, 1956 Варапсин. Середина на 19 века начали издаваться школы игры на гармоник. Самое ранее издание относится к 1860 году в Питере для хроматической ручной гармоники с фортепианной клавиатуре. На такой гармноике играл Римский – Корсаков. Затем появилась школа игры аккордеона и гармоник издания Куликовым в Москве. В начале, это были педагогические пособия цифры. Позднее появилась нотная запись. Репертуар составлялся из маленьких легких народных песен, вальсов, полек, романсов. В 1883 году Чайковский впервые ввел в гармонику в состав симфонического оркестра. Одним из наиболее известных усовершенствователей Белобородов. В 1871 сделана 2 рядная гармоника новой системы мастером чулковым по заказу Белобородова. Он же написал руководство игры на этой гармонике. Затем создал семейного трио, а затем целый оркестр гармоник и заказал специальные оркестровые гармоники, так же сам сочинял музыку для своего оркестра.

Возникновение баяна

С конца 80х годов в России получают большое распространение однорядные и двухрядные гармоники, но их конструкция уже не устраивала исполнителей. В начале 90х годов появилась трехрядная хроматическая гармоника система Нирвальда. Усовершенствованием гармоник занимались многие мастера. Синицкий создает трех и четырехрядные гармоники с более удобным расположением клавиш в форме лопаточек. Эта система была названа системой Синицкого. Так же делал трехрядные гармоники Хегстрем, он же и создал оркестр гармоник. В оркестре появились кроме клавишных кнопочные гармоники (оркестровый бас, монофон). Этот оркестр успешно концертирует. Кроме этого, Хегстерм ведет педагогическую деятельность, обучает учеников. К этому времени 3 и 4 рядные гармоники получили большое распространение и их стали называть баянами. Это название дал исполнитель Орланский –Титоренко и мастер Стерлягов, который её изготовил. Каждая следующая модель сделанная стерляговым становилась совершенной. Его первые баяны имели многие черты простой Петербуржской гармоники. В 1913 году он делает первый в России 5 рядный баян, модель не устаревшая и сегодня. Более 2 лет работал Стерлягов над новой гармоникой заказанной Орланским – Титоренко. Правая 4 рядная с повторением 1 ряда. Левая имела готовый аккомпанемент из басов мажнорного, минорного, Септаккордов. Звукипри смене меха были одинаковые. Орланский назвал её баяном. В то время к мастеру часто заходили рабочие с нового адмиралтейской верфи, строившие крейсер «Баян». Под влиянием их рассказов Стерлягов решил так же свой новый инструмент. Название Баян укрепилось в России за всеми кнопочными хроматическими гармониками. В 1911-12 годах Орланский сдружился с выдающимся русским музыкантом, органистом и дежриссером первого симфонического оркестра. Андреев играл на гармонике с 5 лет, играя на концерте и на балалайке и на гармоники. При организации оркестра Андреев хотел в состав ввести гармоники, но вынужден был отказаться: многих шокировало введение в состав ВР «Инструмента пьяных ямщиков». Однако через много лет, когда ВР оркестр завоевал прочное признание. Андреев возвращается у этой мысли. Он внимательно изучает технические и музыкальные возможности Орлансого, но к сожаленью не успевает осуществить свои намерения. После начала первой империалистической войны Орланский и другие музыканты были призваны в армию. Концертная деятельность была свернута и начинает возрождаться после революции. С начала 1918 в Туле было восстановлено «общество гармонистов» и в том же году возобновил работу оркестр Хегстерма. Был взят на государственную службу при тульском правительстве. В 1920 году Хегстерм умирает и его дела продолжает его сын. Он организовал новый оркестр при клубе тульских оружейников, который стал называться оркестр баянистов клуба ТОЗ. В его репертуаре были произведения как Кармен, вальсы Беккера и Штрауса, легкая музыка, песни и романсы. Состав его менялся Хегстрем стол до 1929 года, затем менялись руководители. Оркестр просуществовал до ВОВ. В 20 годы стали появляться и другие оркестры: 1926 в Москве «Первый симфонический оркестр гармонистов». В состав оркестра входят кроме различных баянов аккордеоны монофоны конвективный, ножные басы. В газете писали: «Массовый инструмент стал носителем симфонической культуры» исполняли увертюра Бетховена, Часть Чайковского… 1928 году в Ленинграде при 3 гос муз техникуме организуется большой оркестр гармонистов под управлением Клейнарда. Появляются и другие оркестры по стране.

Современный баян

1910-20 выдвинулось несколько образованных разбиравшихся в нотной записи баянистов: Орланский – Титаренко, Летвиченко. Однако большинство людей играющих в то время в нотах разбирались слабо и играли по слуху. В результате возникла необходимость преподавание гармоники в музыкальных учебных учреждений в конце 20х. Сначала в Ленинграде затем в Москве и в других городах. В ленинграде класс баяна был открыт 1927 году при третьем музыкальном техникуме. Инициаторы Орланский и Литвиченко. Через год в Москве при музыкальном техникуме Красной пресни (музыкальное училище имени Октябрьской революции) организатор и первый педагог Банович. Так же открывается класс гармоники при воскресной рабочей консерватории. Встает вопрос об издании учебной литературы для баяна. С 1930 начали издаваться пособия: Руководство для обучения игре на баяне – Банович, Практическая школа-самоучитель для баяна – Гладков и Голубев, так же сборники переложений для баяна составленные из произведений классики для фортепиано. В 30 годы так же расширяется фабричное производство гармоник в России: Казань, Шуя, Алатырь, Нальчик. Ведется работа по улучшению качества инструментов, обучение мастеров. С 1938 года баян вошел в крупные музыкальные коллективы страны: Государственный оркестр РНИ Осипова, государственный русский народный хор имени Пятницкого, государственный академический ансамбль народного танца. Широкому распространению баяна способствовали конкурсы. Издается все больше литературы, как методической, так и нотной. 1940 Начальный курс игры на баяне – Азарий Иванов. Появляются оригинальные произведения для баяна: Сюита – Клементов, Концерт для баяна с русским оркестром – Рубцов, Концерт для баяна с симфоническим оркестром – Сотников. В 30 годы баянисты начинают выступать с сольниками. Первый Гвоздев. Он становится солистом ленинградской государственной филармонии, выступает с оркестром НИ Андреева и Симфоническим оркестром под управлением Мравинский. Гвоздев – изобретатель новой клавиатуры в левой руке: кнопки басов были расположены по принципу фортепиано. Сочетается готовыми аккордами. Расширяются исполнительские возможности инструмента и появляются целый ряд исполнителей: Паницкий, Резоль, Онегин и они стали лауреатами всесоюзного смотра исполнителей на НИ в 1939 году. В период ВОВ баянист был обязательным участником фронтовых бригад. В суровым быту солдат она имела огромную роль. В 1942 году начинает издаваться специальные красноармейские песенники сопровождение баяна — играй мой баян. После войны было очень много инвалидов музыкантов. Поэтому была создана конструкция баяна с односторонней клавиатурой. После войны стала расширяться сеть музыкальных учебных учреждениях. Классы баяна стали открываться и в музыкальной школе. Появилась необходимость в детских инструментах. Создается портативный баян для детей – Глаголев. С открытием ДМШ класса баяна стала ощущаться нехватка педагогов. Класс баяна в ряде музыкальных училищ. В музыкально педагогичесомайкин

Надо переписать

Самоучитель игры на баяне авторы басурманов, чайкин. Онегин 1957 «Школа игры на баяне». Так же составляются хрестоматии для баянов, пьесы и этюды автор Говорушка. Другие сборники: Библиотека баяниста, Концертный репертуар баяниста.… Расширяется так же производство готово выборных 5 рядных баянов на фабриках Тулы и Москвы. Большую роль в становлении отечественной баянной школы сыграл Чайкин. Он много пишет для баяна, преподает в институте гнесенных, затем Горьковской консерватории. Среди его учеников такие, как Анатолий Беляев, Политаев, Митченко, Бонаков.

Распространнение и совершеннствование аккордеонов за рубежом

В европе в связи с появлением наплечных ремней на хром кнопочном аккордеоне мысли многих конструкторов вернулись к применению на правой стороне фортепианной клавиатуры, при которой правая рука становится свободнее. В это время организовывалось много эстрадных ансамблей, где роль бандонеона заменил аккордеон. В это время все увлекались исполнением танго. Пиано-аккордеон так стали называть гармонику с клавишу. В основном на ней играли пианисты, но слабое владение левой рукой приводило к примитивному исполнению. Около 20 лет понадобилось чтобы создать аккордеон с большими возможностями и подготовить исполнителей. На аккордеонах тоже стали ставить выборную клавиатуру и стали увеличивать колличество тембров. Стала исполняться классика (классическая музыка). В 1939 году Шарль Манантэ дал концерт на аккордеоне в Кихойе в Карнеги Холл, в исполнении Баха и Мендельсона. Совершенствуется и обучение на аккордеоне. Открываются колледжи в таких странах как: Англия, Германия, Италия, Польша. Выпускаются школы игры на аккордеоне разных авторов, например Альфреда Мирека. Создаются фабрики по производству аккордеона и оркестры баянистов.

Советские аккордеоны.

Впервые на советской эстраде современный аккордеон появился 1928 году в оркестре Бановича. В это время в стране налаживается производство гармоник с фортепианной клавиатурой. В 1936 Ленинградская фабрика «Красный партизан» начала серийный выпуск пиано-аккордеонов. Аккордеоны тех лет были громоздкими, тяжелыми и с большими недостатками. Как с технической, так и с музыкальной стороны. Во время ВОВ к нам стали привозить трофейные аккордеоны.

Дописать… мотиваций занятий

Определение музыкальных познаний и пристрастий ученика, как отправной точки для дальнейшего развития

Целенаправленная работа педагога с учеником над освоением музыкального языка: образного содержания, структурного строения, направления, стиля, жанра, средств выразительности и т.д.

Мотивация занятий музыкой будет возрастать по мере освоения музыкального языка. Расширяется круг музыкальных интересов, формируется вкус ученика, музыка становится частью его жизни, он не только занимается на инструменте, но и слушает музыкальные записи, посещает концерты.

Нормальным считается положение, когда уровень освоения музыкального языка опережает инструментальное развитие.

Репертуар – это важнейший фактор в воспитании интереса к музыке. Здесь принцип его подбора определяется следующим образом: в начальный период обучения, когда проблемы освоения инструмента могут повлиять на желание заниматься музыкой, нужно использовать доступный и эмоционально близкий ученику репертуар. Возможно упрощения изложения. Важно, чтобы ученик без особых усилий мог само выразиться, играя любимые мелодии. По мере освоения языка музыки и инструмента в репертуар включаться наиболее простые в техническом отношении, но яркий образно произведения классиков, современных авторов.

Желательно предварительно ознакомить ученика с их музыкой (запись, проигрывание педагогом, исполнением других учеников). На всех этапах работы с произведением педагог основное внимание обращает на содержательную часть музыки, особенности стиля жанры и формы. Увлеченность педагога его реакция на яркие эпизоды не могут не привлечь внимание ученика, заставить его вслушаться в музыку. Сложность и объем изучаемого материала могут существенно влиять на интерес к занятию. В начальный период предпочтительнее большой объем и меньшая сложность. Желательно, чтобы одна пьеса изучалась не более 3-4 уроков. Одновременно могут играться 4-5 пьес. Частая смена впечатлений поддерживает интерес к обучению. Постепенно репертуар осложняется, но часть пьес остается облегченной.

Вкус педагога – это вкус ученика. Если репертуар ученика состоит из произведений со слабыми художественными достоинствами, то не проходится говорить о воспитании музыкального вкуса.

Упражнения и гаммы должны быть тесно связаны с изучаемыми пьесами, тогда работа над ними обретает смысл для ученика. Выступление на сцене – это важное событие в жизни ученика. Подготовка к нему стимулирует и делает целесообразными его домашние задания. Это способ самовыражения, итог его работы. Удачное выступление, аплодисменты, положительная реакция соучеников, родителей, педагога надолго запомнится ученику. Такие выступления предпочтительнее экзамена. Появляется уверенность в своих силах, желание повторного успеха. Не удачное выступление может оказать негативное влияние на желании заниматься. Не следует, поэтому выпускать на сцену не достаточно подготовленного ученика, однако одной лишь мотивацией музыкой бывает не достаточно, особенно на начальном этапе. Здесь для педагога очень важны знание и понимание особенностей психологии ребенка вообще и конкретного ученика в частности. Самые разные формы и методы работы дают результаты тогда, когда процесс направлен ни индивидуальные качества ученика, особенности его психики.

Контакт ученика и педагога.

В процессе обучения существуют две личностные и художественные индивидуальности – педагог и ученик. От того как сложатся их взаимоотношения, зависит успех их совместного труда. Отношение к учителю для ученика ассоциируется с предметом его преподавания. Способность любить детей, вживаться в индивидуальную психику каждого из них, иметь подлинный интерес к работе с ними, личную культуру, обаяние – все это помогает поддерживать ученика к музыке и инструменту. Завоевав доверие, став любимым учителем, педагог может не опасаться, что наткется на сопротивление ученика при предъявлении более высоких требований к нему. К сожалению, сегодняшняя практика в баянной педагогике чужда индивидуальному подходу к ученику. С чего начинается обучение? Уже на первом уроке изучается название нот, клавиш, элементы посадки, постановки рук. Желание заниматься уничтожается сложными и малопривлекательными задачами. Индивидуальное отношение к ученику подразумевает наличие у педагога исходной информации. Поэтому первые уроки сочетают в себе как процесс обучения, так и всестороннее тестирование ученика (формы, сочетающие обе задачи). Важное значение имеет первая встреча. Содержание первого урока может быть разным, но главной его целью можно считать создание доверительной обстановки на уроке. Эмоциональная раскрепощенность ученика позволяет педагогу получить нужные сведения о круге его интересов, особенностях его характера, уровне его интеллекта, музыкальных пристрастиях его и родителей. Это помогает педагогу определить форму работы с учеником. Целесообразно начинать первый урок беседой в форме интервью. Дети любят рассказывать о себе, это форма самовыражения. Занятия музыкой предоставляют ученику самые широкие возможности для самовыражения.

Инициатива ученика.

Творчески активный ученик нередко выходит за рамки заданного педагогом. Формы, в которых проявляется его инициатива, могут быть разными: сочинение музыки, импровизация, подбор по слуху, транспонирование, придумывание упражнений. Необходимо поддерживать и поощрять, участие педагога заключается в развитии и корректировке начинаний ученика, при этом важно сохранять его идею. И даже, когда фантазии ученика кажутся бессмысленными, следует проявить выдержку и помочь ему. Не следует отчитывать или показывать пренебрежение к попытке творчества. Инициатива ученика свидетельствует обычно о его заинтересованности занятиями музыкой.

Мотивация занятий музыкой в начальный период обучения.

Занятия музыкой с раннего детства стали уже обычным явлением. Преимущества раннего обучения очевидны – психика ребенка еще не отягощена стереотипами, и непосредственность восприятия позволяет легче осваивать язык музыки. Существующие проблемы обычно связаны с освоением музыкальных инструментов, если у пианистов и скрипачей уже давно разработаны методики работы с начинающими детьми, то обучение на баяне детей такого возраста долгие годы считалось нецелесообразным. К тому же детей играющих в ДМШ на выборных баянах очень мало. К этим негативным явлениям можно добавить устаревшие методики обучения, не качественный репертуар. Все это объясняет падения престижа инструмента, недобор учащихся. Выход следует искать в изменениях методов и форм подготовки педагогов в специальных учебных заведениях.

Главная задача педагога – с первых уроков увлечь ученика музыкой. Увлечение ребенка музыкой проявляется зачастую еще до музыкальной школы, однако этот интерес могут убить сложности, возникающие при освоении такого сложного инструмента, как баян и аккордеон. Для успешного решения этой проблемы должна вестись работа в 2х направлениях – использование методики освоения баяна и аккордеона, а так же изучения и применения на практике единых для всех инструментов вопрос мотивации занятия музыкой. Отношение ученика к музыке – это определяющий мотив занятий ей. Сегодня многие педагоги ориентируются в своей работе на освоение инструмента, а не на освоение языка музыке. Такая позиция является основной причиной того, что большинство выпускников ДМШ так и не приучились к музыке. Основные направления работы педагогов в решении этой проблемы:

Определение музыкальных познаний и пристрастий ученика, как отправной точки для дальнейшего развития

Целенаправленная работа педагога с учеником над освоением музыкального языка: образного содержания, структурного строения, направления, стиля, жанра, средств выразительности.

Мотивация занятий музыкой будет возрастать по мере освоения музыкального языка, расширяется круг музыкальных интересов, формируется вкус ученика, музыка становится частью его духовной жизни, он не только занимается на инструменте, но слушает музыкальные записи, посещает концерты.

Нормальным считается положение, когда уровень освоения музыкального языка опережает инструментальное развитие.

Репертуар – это важнейший фактор в воспитании интереса к музыке. Здесь принцип его подбора определяется следующим образом: начальный период обучения, когда проблемы освоения инструментом могут повлиять на желание заниматься музыкой, нужно использовать доступный и эмоциональный близкий ученику. Возможно упрощение изложения. Важно, чтобы ученик без особых усилий мог само выразиться, играя любимые мелодии. По мере освоения языка музыки и инструмента в репертуар включаются наиболее простые в техническом отношении, но яркие образно произведения классиков современных авторов. Желательно предварительно ознакомить с их музыкой (запись, проигрывание педагогом, исполнение других учеников). На всех этапах работы с произведением, педагог, основное внимание обращает на содержательную сторону музыки, особенности стиля, жанра и формы. Увлеченность педагога, его реакция на яркие эпизоды, не могут не привлечь внимание ученика, заставить вслушаться в музыку. Сложность и объем изучаемого материала могут существенно влиять на интерес к музыке. В начальный период предпочтительней большой объем и меньшая сложность. Желательно, чтобы одна пьеса изучалась не более 3х-4х уроков. Одновременно могут играться 4-5 пьес, частая смена впечатлений поддерживает интерес к обучению. Постепенно репертуар усложняется, но часть пьес остается облегченной.

Вкус педагога – это вкус ученика. Если репертуар ученика состоит из произведений со слабыми художественными достоинствами, то не приходится говорить о воспитании музыкального вкуса.

Упражнения и гаммы должны быть тесно связаны с изучаемыми пьесами, тогда работа над ними обретает смысл для ученика. Выступление на сцене – это важное событие в жизни ученика, подготовка к нему стимулирует и делает целесообразными его домашние задания. Это способ самовыражения – итог его работы. Удачное выступление, аплодисменты слушателей, положительная реакция соучеников, родителей, педагога надолго запомнятся ученику. Такие выступления на сцене предпочтительней экзамена. Появляется уверенность в своих силах, желание повторного успеха. Неудачное же выступление может оказать негативное влияние на желание заниматься. Не следует, поэтому выпускать на сцену недостаточно подготовленного ученика. Однако одной лишь мотивации музыкой бывает недостаточно, особенно на начальном этапе. Здесь для педагога очень важны знание и понимание особенностей психологии ребенка вообще и конкретного ученика в частности. Самые разные формы и методы работы дают результаты тогда, когда процесс направлен на индивидуальные качества ученика, особенности его психики.

Контакт ученика и педагога

В процессе обучения существует 2 личностные и художественные индивидуальности – педагог и ученик. От того, как сложатся их взаимоотношения, зависит успех их совместного труда. Отношение к учителю для ученика ассоциируется с предметом его преподавания. Способность любить детей, вживаться в индивидуальную психику каждого из них, иметь подлинный интерес к работе с ними, личную культуру, обаяние – все это помогает поддерживать интерес ученика к музыке и к инструменту. Завоевав доверие, став любимым учителем, педагог может не опасаться, что наткнется на сопротивление ученика при предъявлении более высоких требований к нему. К сожалению, сегодняшняя практика в баянной педагогике чужда к индивидуальному каждому ученику. С чего начинается обучение?! Уже на первом уроке изучается название нот, клавиш, элементы посадки, постановки рук. Желание заниматься уничтожается сложными и малопривлекательными задачами. Индивидуальное отношение к ученику подразумевает наличие у педагога исходной информации. Поэтому первые уроки сочетают в себе как процесс обучения, так и всестороннее тестирование ученика (формы, сочетающие обе задачи). Важное значение имеет первая встреча. Содержание первого урока может быть разным, но главной его целью можно считать создание доверительной обстановки на уроке. Эмоциональная раскрепощенность ученика позволяет педагогу получить новые сведения о круге его интересов, особенностях его характера, уровня его интеллекта, музыкальных пристрастиях его и родителей. Это позволяет педагогу определить форму работы с учеником. Целесообразно начинать первый урок беседой в форме интервью, дети любят рассказывать о себе, это форма самовыражения. Занятие музыкой предоставляют ученику самые широкие возможности для самовыражения.

Инициатива ученика

Творческий активный ученик не редко выходит за рамки заданные педагогом. Формы, в которых проявляется его инициатива могут быть разными:

Сочинение музыки

Импровизация

Подбор по слуху

Транспонирование

Придумывание упражнений

Необходимо поддерживать и поощрять его творчество. Участие педагога здесь заключается в развитии и корректировки начинаний ученика. При этом важно сохранять идею его творчества. И даже, когда фантазия ученика кажется бессмысленными следует проявить выдержку и помочь ему. Не следует отчитывать или показывать пренебрежительное отношение к попытке творчества. Инициатива ученика свидетельствует обычно о его заинтересованности занятий музыкой.

До нотный период в начальном обучении игре на баяне (аккордеоне)

До нотный период давно и широко применяется в фортепианной педагогике. В освоении языка музыки естественным является соблюдение той же последовательности, что и в речевом языке. Совершенно естественно мы воспринимаем, что ребенок сначала учится говорить, а потом писать буквы. Так же и в музыке, прежде чем переходить к игре по нотам, их записи, надо уяснить какой смысл они несут. Не секрет, что по нотам можно играть и без активной работы слуха. Если ученик способен подобрать мелодию по слуху про интонировать её, то его воспроизведение музыки будет не похоже на бессмысленно вызубренный текст. В баянной практике он используется очень редко. Литература по этому вопросу отсутствует. Основной целью этого этапа обучения является формирование навыков, слухо-двигательной взаимосвязи в игре юного баяниста. Учитывая сложность освоения клавиатур, реальную вероятность игры без опоры на слуховые представления, то есть механически, такие приемы обучение как подбор по слуху, транспонирование позволяют решения данной проблемы. Кроме этого до нотный период обладают и следующие достоинства:

Отсутствие в комплексе приобретенных навыков одного из сложнейших компонентов – игры по нотам, нотной записи – упрощает работу ученика

Привлекателен и доступен репертуар, который он сам подбирает. Обычно это народные мелодии или детские песенки

В до нотном периоде существуют различные формы для стимулирования творчества ученика, его самовыражения. Говорит о продолжительности до нотного периода можно лишь условно.

Главным критерием, определяющим возможность перехода к игре по нотам способность ученика достаточно определять по слуху не сложные мелодии, транспонировать их.

Тестирование ученика

Комплексное тестирование ученика позволяет педагогу получить сведения о его музыкальных способностях, других индивидуальных качествах. Существуют несколько форм тестирования:

Беседа с учеником – эта форма позволяет решить несколько задач одновременно. С помощью вопросов и ответов педагог получает нужную информацию о круге интересов, уровне интеллекта, типы психики и других (привычки, увлечения). Следствием такой беседы является установление контакта между педагогом и учеником. Если вопросы интересны для ученика, а педагог слушает внимательно и доброжелательно, то создается атмосфера доверия

Проверка музыкальных данных – важнейшим показателем музыкальных способностей ученика является эмоциональность на музыку. Предложенный способ позволяет проверять и обучать. Педагог играет на инструменте характерные для 3 основных жанров (песня, танец и марш) пьес. Предварительно он объясняет закономерности каждого из жанров – под вальс можно кружиться, у него 3х дольный размер, песня – плавная, марш – можно маршировать движение строго размеренное. Можно усложнить задачи при определении жанров и сыграть несколько мелодий подряд, чтоб он запомнил и назвал жанр. Элемент обучения: ученик начинает узнавать музыкальные жанры, а педагог, наблюдая за его реакцией, определяет на сколько чутко и эмоционально переживает музыку. Эмоциональная отзывчивость признак музыкальности.

Слух и чувство ритма проверяются: пропеванием мелодии, прохлопывание ритмических рисунков. Если ученик спел чисто выразительно, то можно говорить о наличии у него как звуковысотного так и мелодического слуха. Однако опыт показывает, что далеко не каждый ребенок может петь чисто, при этом причиной является не отсутствие слуха а работа голосовых связок, не адаптированных к слуху. В подобных случаях можно использовать другой способ «Игра в прятки». Внимание ученика фиксируется на 3 черных клавишах расположеных подрят или три белых си ре фа, обозначаются номерами 123 после чегокаждую по несколько раз наживают чтобы запомнить звучаниефук.жполфжо. затем не глядя в итбклавиатуру ученик должен найти какую клавишу нажал педагог, чтобы провелщ-Ъук ЛУ

Ансамблевое музицирование

Опыт работы многих педагогов показывает, что вхождение в музыку и самовыражения в ней ученика чрезвычайно эффективно при сочетании 2 форм работы – индивидуальной и коллективной. Поэтому хорошо, когда педагог начинает обучать не сколько детей одновременно. Дети могут играть в ансамбле не только различные комбинации и вариаций на народные темы, но и разделить между собой партию левых и правых рук, голоса, мелодию и аккомпанемент, если они играют одну и ту же пьесу. Полезно и совместная игра упражнений, помимо разнообразия фактурных вариантов – это позволяет лучше организовать время. Столь раннее музицирование в ансамбле применяется редко, но практика показывает, что эта форма не только возможна и результативна, но и очень привлекательна для детей. Эта форма позволяет ребенку более активно включиться в занятие музыкой, активнее развивается слух ученика. Если учеников не сколько, то любой способ работы может принять форму игры. Например: соревнование в решение одной и той же задачи всегда оживляет урок и повышает тонус ученика. Но важно найти пропорцию коллективной и индивидуальной работы с учениками. В совместной работе с не сколькими учениками педагог решает многие задачи индивидуально для каждого из них.

Обучение в форме игры

В начальный период обучения наиболее привлекательными выглядит метод работы основанный на элементах игры. Ученик пришел к педагогу из «игры». В ней он наиболее полно само выражался, если побеждал, то чувствовал себя значительным и нередко требовал, чтобы его достижения были по достоинству оценены родителями и сверстниками. Как ведут себя дети в игре? Их лица выражают богатейшую гамму эмоций и чувств, игрой они увлечены на столько, что не замечают времени и усталости. На полную силу оказываются, задействованы все их физические и психические ресурсы. Такая интенсивность самовыражения может стать прекрасной моделью для использования схожих с детской игрой форм занятий музыкой. Однако, применение игры в процессе обучения удается не каждому педагогу – либо это игра не воспринимается ребенком серьезно, либо она малопригодна для обучения, а только развлекает ученика.

Успех применения этой формы обучения определяется личностью педагога, его фантазии, умением сориентироваться в конкретной ситуации. Можно обозначить лишь не которые моменты:

Если учеников не сколько, а такую форму работы используют многие педагоги, то любой способ работы может стать игрой, возможность соревнования не скольких учеников в решении одной и той же задачи всегда оживляет урок, повышает рабочий тонус учеников. Партнером в игре может и стать педагог, тогда желательно, чтобы он и ученик иногда менялись ролями.

Фантазия и воображение ученика всегда сможет подсказать педагогу не только корректировку задуманной им игры, но и саму игру. Давно известная истина гласит – педагог, обучая своих учеников, сам учится у них.

С помощью игры можно проверять и обучать одновременно (тест на уровень интеллекта). Проверяя уровень интеллекта ученика, его способность к системности мышления, при помощи определения количества и нумерации рядов на инструменте, клавиш белых и черных, педагог делает первый шаг в освоении учеником клавиатуры (тест на эмоциональную отзывчивость). Проверка на эмоциональную отзывчивость, на образную музыку, память, прекрасно сочетается с освоением языка музыки. К примеру, педагог играет марш, вальс, объясняя каждый жанр. Ученики, соревнуясь, определяют жанр сначала после каждой пьесы, затем после 3-4 подряд. Следует не только определить жанр пьес, но и запомнить и рассказать о характере каждого из них. Так не посредственно в игре начинается освоение языка музыки. Педагог, наблюдая за учениками, одновременно проверяет их реакцию на музыку и степень эмоциональной отзывчивости на неё. Подсознательно для ученика происходит еще 1 процесс – формирование слуховых и двигательных представлений. Ученик, слушая и наблюдая за игрой педагога, запоминает звучание инструмента (тембр, динамика, артикуляцию), движение рук педагога, посадку. Здесь эффективность повышается, если педагог позволяет само выразиться ученику – под музыку можно двигаться, петь знакомые мелодии, рисовать, писать, сочинять стихи, под текстовки, рассказывать об услышанном.

Игра – это высшая форма сосредоточенности. Каждый педагог, работающий с детьми, знает, как сложно сконцентрировать внимание у ребенка на определенном действии. Если то же самое действие, удается реализовать в форме игры – проблема решается сама собой. Игра, благодаря своей эмоциональной привлекательности для ученика, вызывает высшую форму сосредоточенности – непроизвольное внимание.




Предыдущий:

Следующий: